Cuando apareció en la segunda mitad del siglo XIX siguiendo la tradición artística acumulada a lo largo de los siglos, poco después, las vanguardias se lo apropiaron para experimentar nuevas vías de expresión. Solo entrado el siglo XX, consiguió desarrollar un lenguaje propio y diferenciado que, a partir de entonces, también influiría a otras disciplinas artísticas.

   La historia del cine está estrechamente vinculada al arte en todas sus formas. Desde el teatro a la pintura, sin olvidar la literatura o la música. Conscientes de este vínculo, Obra Social “la Caixa” y la Cinémathèque française han organizado “Arte y cine. 120 años de intercambios”, en CaixaForum, que reúne carteles cinematográficos, piezas audiovisuales, vestuario, fotografías, bocetos y otros materiales que explican las mil y una conexiones que el cine tiene con las artes y que (Mi Petit) Diccionario repasa de la A a la Z.

ARROYO Eduardo Arroyo (1937) dedicó una colección de litografías a Alfred Hitchcock, en la que el pintor español realizaba un interesante análisis crítico de cómo el maestro del suspense británico desarrollaba la narración de sus películas. Gracias a Arroyo, la pintura se interesaba por el cine de Hitchcock, de igual manera que el realizador inglés se había interesado por la pintura en muchas de sus cintas.

BANKSY El enigmático grafitero británico también ha mantenido vínculos con el mundo del cine. El documental “Exit through the gift shop”, dirigido por el propio artista, es buena prueba de ello. Además de esta cinta, Banksy ha codirigido el documental “The Antics Roadshow” y “Banksy's Channel 4 Street Summer Hijack”, ambos de 2011.

CiNÉMATHÈQUE La Cinémathèque Française es una de las instituciones más prestigiosas del mundo en lo que se refiere a la investigación y la conservación de materiales relacionados con el cine. En sus archivos, se guardan más de 40.000 películas de todas las épocas, más de 20.000 carteles, medio millón de fotografías, más de dos mil trajes y vestidos, más de 20.000 placas de linterna mágica y otros muchos objetos. Muchos de los materiales, que se exponen en “Arte y cine. 120 años de intercambios”, han sido cedidos por la Cinémathèque, que ha colaborado con la Obra Social “la Caixa” en la organización de esta exposición.

DANSE SERPENTiNE En 1896, los hermanos Lumière rodaron “Danse Serpentine”, en la que la bailarina Loïe Fuller ejecutaba una danza con un vaporoso vestido. En la pieza, rodada originalmente en blanco y negro y posteriormente coloreada fotograma a fotograma, el vestido de Fuller va cambiando de color a medida que discurre el medio minuto largo que dura la película. Un efecto tecnológico primitivo, pero de gran belleza visual que se puede disfrutar en la exposición.

EXPRESiONiSMO Es uno de los movimientos de vanguardia que más repercusión tuvo en el cine. Este estilo artístico, en el que juega un importante papel la distorsión de las imágenes, la expresividad emocional y los claroscuros, sirvió de inspiración a directores como Robert Wiene, F. W. Murnau o Fritz Lang, responsables de títulos como “El gabinete del Dr. Caligari” (1920), “Nosferatu” (1931) y “Metrópolis” (1927), respectivamente. Posteriormente, los tres realizadores tuvieron que abandonar Alemania a consecuencia de la ascensión del nazismo ya que, para Hitler, lo que hacían estos directores era arte, pero degenerado.

FERROCARRiL “La llegada del tren a La Ciotat” (“Arrivée d’un train à La Ciotat”) es una película de un minuto de duración rodada por Auguste y Louis Lumière en 1896. Esta cinta, una de las primeras que se rodaron en la historia, tiene estrechos vínculos con la tradición artística. Los críticos han valorado la innovadora composición del plano, que se acerca a la técnica que estaban desarrollando en esa época los pintores impresionistas.

GODARD Jean-Luc Godard (1930) fue, según los responsables de la exposición “Arte y cine. 120 años de intercambios”, el realizador que hizo que el séptimo arte pasase de la edad moderna a la contemporánea. Admirador de artistas como Matisse, Jean Cocteau, Yves Klein y las vanguardias de principios del siglo XX, Godard ha incorporado muchos de sus elementos o lenguajes artísticos a su obra. En sus películas, hay referencias pictóricas, musicales, de danza o de fotografía, de la que llegó a decir: “La fotografía es verdad. Y el cine es una verdad 24 veces por segundo”.

HERMiTAGE En 2002, el realizador ruso Aleksandr Sokúrov filmó la película “El arca rusa”, la primera en la historia del cine rodada en alta definición, con un único plano secuencia que recorre las salas y estancias del Museo del Hermitage de San Petersburgo, al tiempo que recrea diferentes momentos de la historia de Rusia. En la cinta actuaron más de 800 actores, que ocuparon más de 30 salas del museo. Además de esta película, Sokúrov también se ha acercado al mundo del arte en “Francofonía” (2014), que narra cómo se protegieron las obras de arte del Louvre durante la Segunda Guerra Mundial.

iSiDORE iSOU El poeta rumano nacionalizado francés, Isodore Isou (1925-2007), experimentó con el cine de una forma muy particular: rayando y desgarrando el celuloide para crear texturas y efectos visualmente sorprendentes. Una de sus películas “Traité de bave et d’éternité” (“Tratado de baba y de eternidad”, 1951) ha sido considerada precursora de la Nouvelle Vague. Otras de sus películas fueron atacadas duramente por detalles como su peculiar banda sonora, compuesta por ejercicios de poesía fonética que para muchos no eran más que sonidos guturales, gruñidos y gritos.

JAPÓN Desde sus inicios, el cine tuvo una estrecha relación con la pintura y la ilustración. Era cuestión de tiempo que esas imágenes se pudieran poner en movimiento y dieran lugar a la animación. Si Estados Unidos y los Países del Este son dos de los lugares donde esta combinación ha alcanzado grandes cotas de calidad, la industria de la animación japonesa ha experimentado un desarrollo sin igual. “Mi vecino Totoro” (1988), “Porco Rosso” (1994), “El viaje de Chihiro” (2002) o “Ponyo” (2008), de los estudios Ghibli, son puro arte.

KENNETH El realizador californiano Kenneth Anger (1927) ha sido uno de los cineastas más sorprendentes de la segunda mitad del siglo XX. Entre sus películas destacan cintas como “Fireworks” (1947) o “Scorpio Rising” (1963), considerada el antecedente de los vídeo clips. Además, Anger es una de las personas que mejor conocen la historia dorada de Hollywood. Gracias a ese saber, Anger fue contratado por la Cinémathèque française para restaurar antiguas películas que habían sufrido los estragos de la Guerra Mundial. También es autor de uno de los libros más divertidos e interesantes escritos sobre el cine norteamericano: Hollywood Babilonia (I y II, 1985 y 1985). Un título compuesto de tres volúmenes del que solo se han publicado dos. El tercero contiene material referente a actores aún vivos, lo que podría ser todo un quebradero de cabeza para los abogados de Anger.

LEGER El pintor Fernand Leger (1881-1955) también experimentó con la imagen en movimiento y el cine. En la exposición de CaixaForum, se muestra una de sus pinturas de inspiración cinematográfica, que lleva por título “Homenaje a la danza” y que realizó en 1925, después de filmar en  1924 el corto “Ballet mécanique”. En los créditos de la cinta, con elementos cubistas y collages en movimiento, Leger aprovechaba para hacer un homenaje al personaje Charlot de Charles Chapin, una de las estrellas de Hollywood de la época.

MUYBRiDGE El fotógrafo e investigador británico, Eadweard Muybridge (1830-1904), centró sus estudios en una disciplina conocida como cronofotografía. Una técnica, que permite capturar diferentes imágenes de un objeto en movimiento que, cuando son ordenadas en forma de secuencia, generan una sensación de movimiento. La cronofotografía se aplicó a inventos como los zoótropos o los flip books (libritos que al pasar sus páginas permiten ver una secuencia animada.

NATiONAL GALLERY El realizador Frederick Wiseman rodó en 2014 el documental “National Gallery”, que se adentra en una de las pinacotecas más importantes del mundo recorriéndola como lo haría un visitante cualquiera, sin necesidad de locución, sin una narración lineal y sin ambientación musical, recurriendo únicamente al sonido directo que se escucha en el museo.

OMAR El inventor y autor de cine experimental, José Val del Omar (1904-1982), llegó a desarrollar innovadores técnicas destinadas a potenciar algunas de las características del cine. Entre ellas, se encuentran el “sonido diafónico", el “desbordamiento apanorámico de la imagen” o, la más sorprendente de todas, “la visión táctil”. Miembro de las Misiones Pedagógicas de la Segunda República y amigo de Lorca, Cernuda y María Zambrano, desarrolló tras la guerra su obra en un discreto anonimato. Sus aportaciones al arte cinematográfico no fueron valoradas hasta poco antes de su muerte. En la actualidad, es considerado uno de los grandes realizadores de cine experimental a nivel internacional.

PAUL SHARiTS El artista norteamericano, Paul Sharits (1943-1993), desarrolló su obra en el campo del cine experimental. Aunque falleció prematuramente a consecuencia de complicaciones derivadas de un disparo, que recibió en un bar de Denver, Sharits tuvo tiempo para desarrollar obras cinematográficas en forma de loop, instalaciones con varios proyectores y otras películas de vanguardia. Una de sus obras, un colorista collage realizado en 1972 con tiras de celuloide y titulado Filmstrip collage, se expone en la muestra de CaixaForum.

QUENEAU El escritor francés, Raymond Queneau (1903-1976), fundador del movimiento OuLiPo y miembro del Colegio de Patafísica, es conocido principalmente por libros como Ejercicios de estilo y Zazie dans le Métro, novela adaptada al cine en 1960 por Louis Malle. Un ejemplo que pone de manifiesto cómo las relaciones entre arte y cine no se refieren únicamente a las artes plásticas, sino también a la literatura. No hay más que ver las miles de novelas y cuentos que han servido de inspiración a otros tantos largometrajes.

ROTELLA El artista italiano, Mimmo Rotella (1918-2006), inventó el decollage. Tras pegar y superponer carteles comerciales y de cine, Rotella arrancaba pequeños trozos creando impactantes piezas que mostraban diferentes fragmentos de las distintas capas. Una de sus piezas, titulada “La historia del cine”, de 1966, está incluida en la exposición de CaixaForum.

SALVADOR DALí El pintor Salvador Dalí (1904-1989) tuvo una estrecha relación con el mundo del cine. Junto a Luis Buñuel rodó en 1929 “Un chien andalou” (“Un perro andaluz”), la película que mejor supo trasladar al cine el universo surrealista. Además, Dalí colaboró con otros importantes realizadores cinematográficos. Para Alfred Hitchcock diseñó los decorados de la secuencia del sueño de “Spellbound” (“Recuerda”), y con Walt Disney comenzó el cortometraje “Destino”, una pieza inacabada de 1945 que fue concluida por los estudios Disney en 2003. Por último, Dalí escribió el guión de ”Giraffes on Horseback Salads” para los Hermanos Marx, cómicos de los que era un gran admirador porque los consideraba “puro surrealismo”. Lamentablemente, este guión nunca llegó a rodarse.

TURNER En 2014 el realizador Mike Leigh (1943) escribió y dirigió “Mr. Turner”, una cinta que narra la vida del pintor británico J. M. W. Turner. El actor Timothy Spall fue el intérprete elegido para encarnar a este pintor que, en palabras de Salvador Dalí, era “el peor pintor del mundo, desde todos los puntos de vista y sin la menor duda”. Muy posiblemente, la película tampoco le hubiera gustado al pintor catalán.

UNDERGOUND La industria cinematográfica siempre se ha decantado por el negocio en perjuicio del arte. Esto ha provocado que muchas de las películas que exploraban la senda de la experimentación y la vanguardia se vieran en la obligación de hacerse en condiciones de precariedad, con poca financiación, con limitaciones tecnológicas y con una distribución subterránea o underground, ajena a las grandes salas comerciales. A pesar de ello, muchas de estas cintas son hoy casi tan conocidas y valoradas como muchas películas comerciales.

VENTiLADOR Una de las piezas que se exponen en la muestra de CaixaForum es “Autant en emporte le vent”, creada por Alain Fleischer en 1970. La obra consiste en la imagen de una joven proyectada contra un ventilador de color blanco. La oscilación de las aspas del ventilador genera un efecto tan extraño como hipnótico y estético.

WARHOL A principios de los años 60, Andy Warhol (1928-1987) comenzó a experimentar con el cine. La idea no había sido suya, sino de su galerista, Leo Castelli, que vio que la capacidad de producción del artista podía llegar a saturar el mercado y poner en riesgo la cotización de su obra. Desde ese momento, Warhol comenzó a producir cintas muy peculiares en las que, en ocasiones, no había ningún tipo de acción. Títulos como “Sleep” o “Empire”, registraban durante horas el sueño de una persona o un plano fijo del Empire State Building. Unas películas que ahora son clásicos del cine experimental pero que en su momento provocaron escándalo e indignación.

X Aunque, con el paso del tiempo, muchas de las películas de cine experimental han sido elevadas a la categoría de arte, lo cierto es que no siempre fue así. En ocasiones, por los temas tratados o por la forma de hacerlo, algunas de esas cintas fueron clasificadas X, lo que suponía que fueran relegadas a un circuito de distribución marginal y prohibidas a espectadores menores de 18 años ó 21, según los países. Es el caso de cintas como “Andy Warhol’s Frankestein” o “Un Chant d’Amour”, de Jean Genet, que fue prohibida e incluso destruida por las autoridades aduaneras norteamericanas cuando se intentó estrenar en el país, a consecuencia de su explícito contenido homosexual.

YVES KLEiN Entre sus muchos proyectos, el pintor francés Yves Klein (1928-1962) desarrolló un peculiar estilo pictórico denominado monocromías. En ellas solía utilizar un único color, normalmente dorado o azul. De hecho, se llegó a patentar un azul con el nombre del pintor: el International Klein Blue. La influencia de Klein en los creadores de los años 50 y 60 puede verse en las películas de Jean-Luc Godard que, en el final de “Pierrot, el loco” (1965), presenta a Jean-Paul Belmondo pintándose la cara de azul. Lo mismo sucede con Robert Bresson, que decidió que el cartel de “Quatre nuits d’un rêveur” (“Cuatro noches de un soñador”, 1971) recordase a las monocromías de azules de Yves Klein. Ambos ejemplos, junto a un cuadro del propio Klein, pueden verse en la exposición de CaixaForum.

ZOÓTROPO Entre las diferentes piezas artísticas que se exponen en “Arte y cine. 120 años de intercambios”, hay varios cartones para zoótropos y piezas cinéticas que adquieren diferentes formas y colores cuando se les pone en movimiento. Entre ellas, una base de zoótropo de 1870 firmado por H. G. Clarke y una obra circular para colocar sobre una superficie giratoria realizada por Marcel Duchamp en 1935 y titulada “Rotorelief”.

                                                (De Eduardo Bravo, el 05 de junio de 2017)

Referencias útiles:
ARTE Y CiNE, 120 AÑOS DE iNTERCAMBiOS

¿CUÁNDO? De Lunes a Domingo, de 10h a 20h, hasta el Domingo 20 de agosto de 2017.

¿QUÉ? La muestra "Arte y Cine", comisariada por el crítico, teórico de cine y conservador Dominique Païni, presenta una selección de obras realizada entre las ricas colecciones de la Cinémathèque Française, completada por una serie de piezas procedentes de colecciones españolas y francesas. La exposición gira en torno al diálogo entre artistas de las vanguardias históricas y cineastas, siguiendo un sentido cronológico hasta nuestros días, en un recorrido por nueve ámbitos desde el siglo XIX hasta el XXI.

¿DÓNDE? En Caixa Forum (en la ilustración)
Paseo del Prado, 36
28014 Madrid
913 307 300
M Atocha

¿CUÁNTO? 4 euros.

Para saberlo todo de ARTE Y CiNE, conéctate a la web de CAiXAFORUM (también en Facebook y Twitter).

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